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Jun 27, 2023

Das ist langsam

An einem warmen Abend vor kurzem strömten mehrere hundert in Schwarz und Silber gekleidete Einwohner Seattles in das ehemalige Coliseum Theatre in der Innenstadt, um an einem in der Stadt seltenen Ereignis teilzunehmen – einer echten Modenschau.

An einem warmen Abend vor kurzem strömten mehrere hundert in Schwarz und Silber gekleidete Einwohner Seattles in das ehemalige Coliseum Theatre in der Innenstadt, um an einem seltenen Ereignis in der Stadt teilzunehmen – einer echten Modenschau.

In Zusammenarbeit mit dem umherziehenden Kunstkollektiv XO Seattle stellte Designerin dan mcLean ihre neue Kollektion 7:20:XO in den neoklassizistischen Mauern des historischen Kinos vor. (Das Gebäude diente von 1994 bis 2020 als Bananenrepublik und wurde diesen Sommer in eine Pop-up-Kunstgalerie umgewandelt.)

Im vergangenen Jahr hat das in Seattle ansässige Unternehmen mcLean drei Modenschauen veranstaltet und sich einen Ruf für Veranstaltungen erworben, die man nicht verpassen sollte. Geputzte Fashionistas und schmuddelige Punks bevölkern gleichermaßen die Veranstaltungsorte und kleiden sich eifrig für die jeweiligen Anlässe, wo sie Drinks schwenken und Fotos machen, während sie Models unterschiedlichen Alters, unterschiedlicher Größe, ethnischer Zugehörigkeit und Geschlechts dabei zusehen, wie sie über den Laufsteg stolzieren.

Diese Nacht war nicht anders. Während Hip-Hop- und Popmusik aus den Lautsprechern ertönte, präsentierten die Teilnehmer elegante, glitzernde Outfits – empfohlene Kleidung war Silber und Schwarz –, bevor die Models das Wort ergriffen.

Die Gäste trugen hauchdünne schwarze Kleider, Krokodilstiefel, Spitzenbodys, bodenlange Paillettenmäntel und silberne Netzoberteile und machten eine Pause, um auf dem roten Teppich vor Mitchell Villas gefühlvollem Gemälde einer Wildschweinjagd zu posieren. Bei diesen Veranstaltungen geben die Bewohner Seattles ihr Bestes.

„Wenn es eine Dan-McLean-Show ist, ist es Fashion Week“, sagte ein Partygänger mit riesigem Hut und Sonnenbrille.

Ein künstlerisch umgestalteter Raum, der früher eine Bekleidungseinzelhandelskette beherbergte, ist vielleicht der perfekte Rahmen für die nachhaltigkeitsorientierten Kleidungsstücke von mcLean. Von der Überarbeitung gespendeter Kleidung bis hin zum Aufnähen von Luxuslabels auf gebrauchte Fundstücke – McLeans langsamer, kleiner Designansatz steht im diametralen Gegensatz zur Fast-Fashion-Branche.

„Nachhaltig“ bedeutet für diesen Designer nicht unbedingt „biologisch“ oder „grün“, sondern beinhaltet die Neugestaltung von Stoffen, die bereits auf der Welt erhältlich sind. McLean bezieht seine Produkte aus Secondhand-Läden, gespendeter Kleidung und dem Geschäft für wiederverwendete Materialien Seattle ReCreative und zerlegt Kleidungsstücke und setzt sie auf einfallsreiche Weise wieder zusammen.

„Es gibt so viel Mode, so viel Kleidung, und alles landet auf der Mülldeponie“, sagt sie. „Es gibt genug Kleidung.“

In den letzten Jahren hat ihr dieses Ethos zusammen mit ihrer umfassenden Größenauswahl eine treue Fangemeinde in der Stadt beschert. Gehen Sie zu einer coolen Vernissage und Sie werden bestimmt jemanden entdecken, der eine ihrer gefälschten Prada-Halsketten oder überarbeitete Jeansstücke trägt.

Der in Tacoma geborene und aufgewachsene mcLean, 33, hatte schon immer ein Auge dafür, gebrauchter Kleidung neues Leben einzuhauchen. Als sie aufwuchs, durchsuchte sie Goodwill-Behälter nach ausrangierten Schätzen, die sie ihrem Kleiderschrank hinzufügen konnte. „Als ich klein war, sagte meine Mutter immer: ‚Du kannst 100 Dollar für Abercrombie oder 100 Dollar für Goodwill haben“, erinnert sie sich. „Sie könnten eine Sache [bei Abercrombie] oder 20 Dinge [bei Goodwill] bekommen. Ich wollte 20 Dinge.“

Da sie sich für „grüne Bestattungsmethoden“ (insbesondere Körperkompostierung – eine andere Form des Recyclings) interessiert, begann sie 2017 mit Kursen in Umweltingenieurwesen am Seattle Central College. Um sich von der intensiven Unterrichtsbelastung zu erholen, säumte und veränderte sie Kleidung mit einer Nähmaschine und verkaufte Secondhand-Kleidung auf DePop.

Eines Tages machte es Klick: Warum weiterhin kläglich quantenphysikalische Gleichungen zusammenfügen, wenn sie Material zusammenfügen und viel mehr Spaß haben könnte? Nachdem sie zum Bekleidungsdesign gewechselt war, schloss sie 2019 ihr Studium ab und begann ihre vollwertige Karriere als Indie-Designerin.

Jetzt recycelt sie Hemden in Bikinis, verwandelt Jeans in Bolero-Jacken, fügt Rosen und Nieten zu Leder-Chaps hinzu und fertigt farbenfrohe Kapuzenpullover aus Batikresten. Der Preis ihrer Kleidungsstücke ist teurer als Fast Fashion und spiegelt ihren Status als einzigartige tragbare Kunstwerke wider.

Ihre Laufstegkollektionen – zu denen in der Vergangenheit Samtumhänge, Abendmahlskorsetts und durchsichtige Hosen gehörten – sind fast ausschließlich Schwarz, ihre Lieblingsfarbe. Indem sie sich auf eine Farbe konzentriert, sagt McLean, dass sie die unterschiedlichen Texturen jedes Kleidungsstücks hervorheben kann, sodass jede Kollektion „auf ihre eigene Weise farbenfroh“ ist.

Für die Farbpalette 7:20:XO verließ mcLean leicht ihre Komfortzone und integrierte Silber, um eine galaktische Atmosphäre zu verbreiten.

Ihr Ansatz basiert auf ihrer langen Geschichte des Sparens, aber auch auf Seattles lebendiger Szene für nachhaltige Kleidung. Marken wie Girlfriend Collective und Prairie Underground, Vintage-Läden wie Indian Summer und Bon Voyage und Designer wie Janelle Abbott gehören zu den Einheimischen, die bewusst daran arbeiten, wie nachhaltige Kleidung aussehen kann.

Im Fall von McLean könnte dieser Look alles sein, von einem Fischerhut aus einem Burberry-Schal über Patchwork-Hoodies bis hin zu handgefärbten Jeansshorts.

„Seattle wird ein großer Ort für nachhaltige Mode sein“, erklärt McLean. Auch wenn unsere Stadt immer wieder dafür kritisiert wird, ein Musterbeispiel für Anti-Mode zu sein, ist sie davon überzeugt, dass unsere Vorliebe für umweltbewusste Mode uns einzigartig macht. „Wir zweifeln nicht einmal daran, nachhaltig zu sein, wir sind einfach so“, sagt sie.

In ähnlicher Weise verleiht McLeans „Bootleg“-Serie ausgemusterten High-Fashion-Artikeln DIY-Flair. Sie begann in der High School mit dem Schmuggeln, als sie einen gebrauchten Juicy Couture-Schlüsselanhänger in eine Halskette verwandelte. Jetzt verarbeitet mcLean luxuriöse Staubbeutel und Metalletikettenembleme von Häusern wie Louis Vuitton, Fendi, Prada und Gucci zu Halsketten, Unterwäsche, Bikinis und Ohrringen.

Es ist eine Praxis, die sich vom Betrügen oder Abwerben einer Luxusmarke unterscheidet – eine Praxis, die eher der „Fan-Art“ ähnelt, sagt McLean. In Anlehnung an die lange Tradition des zum Luxusmode gewordenen Streetwear-Designers Dapper Dan („Mein größtes Raubkopie-Idol“, sagt dieser Dan), dessen nicht genehmigte Umdrehungen von Gucci- und Louis-Vuitton-Drucken ihn berühmt machten, sieht McLean ihre remixten Artikel als einen Tipp dafür den Hut vor Luxusmarken.

„Es geht nicht darum, das Design von jemandem abzureißen, sondern vielmehr darum, dass ich dich respektiere und sehe, dass du diese coolen Dinge tust, und ich möchte so sein wie du, aber ich möchte nicht so sein wie du“, erklärt McLean. (Auf ihrer Website gibt es einen ausführlichen Haftungsausschluss, der besagt, dass alle ihre Designs „wiederverwendet, überarbeitet oder gebraucht“ sind.)

„Ich habe Freunde, die mich von Louis Vuitton angerufen haben und sagten: ‚Hey, nur damit du es weißt, unser großer Chef kam letzte Woche und sie wollen eine deiner Halsketten.‘“ Die großen Marken verstehen: „Das bin ich nicht ihre Konkurrenz“, sagt sie.

In der Modebranche können Unternehmensriesen schnell und günstig trendige Kleidung herstellen, was in vielen Fällen auf fragwürdige Arbeitsbedingungen zurückzuführen ist. Massenproduzierte Kleidungsstücke können offensichtliche Kopien von Designs kleiner unabhängiger Geschäfte wie McLean's sein oder organischen Streetstyles nachempfunden sein.

Während McLean einzigartige Hommagen mit Etiketten von High-Fashion-Kleidungsstücken kreiert, wäre es für sie nie in Ordnung, wenn die großen Anzüge ihre Ideen übernehmen würden. Es geht um das Kräfteverhältnis. Aus diesem Grund bringt sie einem Freund, Fan oder Designerkollegen gerne bei, wie man aus gebrauchten Materialien eigene Versionen von McLean-Originalen herstellt.

Für ihre Shows verlässt sich McLean auf ein Gremium, das bei der Besetzung von Models mit unterschiedlichem Hintergrund hilft. Sie betrachtet ihre Modelle als ihre Musen; Anstatt sie so auszuwählen, dass sie zu ihren Kleidungsstücken passen, wird jedes Kleidungsstück so gefertigt, dass es einem bestimmten Modell passt. Sobald sie ausgewählt ist, bleibt mcLean mit ihnen zusammen, taucht tief in ihre Instagram-Feeds ein und fertigt ihre Stücke basierend auf ihrer Persönlichkeit an. Das Ergebnis sind einzigartige Stücke, die den Träger widerspiegeln und unterschiedliche Modesensibilitäten in den Vordergrund rücken.

„Das Tolle an Dan ist, dass sie nicht glaubt, dass Kleidung zu den Menschen passen sollte, sondern dass Kleidung zu den Menschen und zu dem, was sie sind, passen sollte“, sagt Vivian Frieson, eine Unternehmerin, die für McLean über den Laufsteg gelaufen ist und auf dem Laufsteg gearbeitet hat Casting-Panel für die XO23-Show.

„Ich bin eine Frau, die sich maskulin präsentiert“, sagt Frieson, „und ich weiß nicht, ob es viele Modedesigner gibt, die maskuline Frauen in den Vordergrund stellen und ihnen den Raum geben, sich auf diese Weise zu präsentieren.“ ”

Die 7:20:XO-Kollektion von mcLean wurde vom Weltraumdesigner Pierre Cardin aus den 1960er-Jahren (der 2020 verstorben ist) inspiriert und ist ein Beweis für ihre integrative und nachhaltige Kreativität.

„Ich möchte das mit einer ganzen Reihe verschiedener Körper, einer ganzen Reihe unterschiedlicher Geschlechter, einer ganzen Reihe unterschiedlicher Frisuren machen“, sagt McLean über das Thema und weist darauf hin, dass Cardin in den 1960er Jahren geometrische Designs im Star-Trek-Stil trug Meistens von dünnen, femininen weißen Frauen. „Ich möchte anfangen, Dinge aus der Vergangenheit zu übernehmen und sie auf eine nachhaltigere Weise neu zu gestalten.“

Während der Show zeigten elf Models 25 Uhura-taugliche Looks, alle gewürzt mit McLeans Gothic-Sensibilität. Aufgrund der künstlerischen Umgebung legte McLean auch bei den Designs großen Wert darauf – darunter ein Kleidungsstück mit anschmiegsamen, wiederverwendeten Kanalärmeln. „Ich möchte, dass es avantgardistische Stücke sind und nicht unbedingt nur tragbare Stücke“, bemerkt sie.

Der Laufsteg schlängelte sich im Zickzack durch den unregelmäßig geformten Raum, in dem sich die Besucher in jede erdenkliche Ecke rund um die Kunstinstallationen drängten. Als die Models mit Teilen wie einem riesigen Reifrock aus Silberketten, silbernen Tanga-Bodys und Leder-Patchworkröcken über den Laufsteg stapften, johlten und brüllten die Gäste zustimmend.

Schließlich lief eine überschwängliche McLean mit ihrer Partnerin Sharnae Corrin über den Laufsteg und winkte Freunden und Unterstützern unter tosendem Applaus zu.

Als der Laufsteg frei wurde, tanzte die umliegende Gruppe schicker Einwohner Seattles, machte weitere Fotos und überschüttete den Designer mit Lob. Für McLean ermutigen dieses Interesse und dieser Enthusiasmus sie, ihren Weg fortzusetzen – und drängen andere angehende Designer, diesem Beispiel zu folgen.

„Modelagenturen hier sagen: ‚Die Idee ist cool, aber ist sie im großen Maßstab machbar?‘“, sagt McLean. Ihre Antwort ist nein. „Weil ich es nicht im großen Stil machen möchte“, sagt sie. „Ich möchte predigen, dass kleine Designer hier mehr [Modeschauen] wie diese veranstalten sollten, weil man davon leben und Kunst in die Stadt bringen kann.“